La nueva carrera de Mozart en Viena tuvo un buen comienzo. A menudo realizaba interpretaciones como pianista, destacando en una competición ante el Emperador con Muzio Clementi el 24 de diciembre de 1781 y pronto se «consolidó como el mejor intérprete de teclado de Viena».[45] También prosperó como compositor y en 1782 completó la ópera El rapto en el serrallo (Die Entführung aus dem Serail, KV 384), que fue estrenada el 16 de julio de ese mismo año, obteniendo una enorme aclamación y que dio inicio al género operístico conocido como singspiel u ópera alemana, en un momento en que el italiano era el idioma «oficial» para la ópera. La obra fue pronto interpretada «a través de la Europa de habla germana»[45] y consolidó plenamente la reputación de Mozart como compositor. Como anécdota, el emperador José II comentó al final del estreno de la ópera: «Música maravillosa para nuestros oídos, verdaderamente creo que tiene demasiadas notas», a lo que el compositor contestó: «Exactamente, ¿cuántas son menester?
jueves, 30 de diciembre de 2010
La discusión con el arzobispo
La discusión con el arzobispo fue muy dura para Mozart porque su padre se posicionó en su contra, ya que esperaba fervientemente que siguiera obedientemente a Colloredo en su vuelta a Salzburgo. Leopold intercambió cartas con su equivocado hijo, urgiéndole a reconciliarse con su patrón, pero Wolfgang defendió apasionadamente sus intenciones de emprender una carrera independiente en Viena. El debate finalizó cuando Mozart renunció a su puesto, liberándose de las demandas de un patrón opresivo y un padre demasiado solícito. Solomon caracteriza la dimisión de Mozart como un «paso revolucionario» que alteró enormemente el curso de su vida.[46] En Viena, Mozart se había dado cuenta de algunas buenas oportunidades y decidió instalarse allí como intérprete y compositor independiente
El enfrentamiento
El enfrentamiento llegó en mayo, cuando Mozart se negó a llevar un paquete enviado por Colloredo a Salzburgo. Ante su negativa de convertirse en mensajero, Mozart es insultado por su patrón y el compositor, de forma audaz, lo interrumpe en medio de su ira: «¿Su Gracia no está conforme conmigo?». La respuesta de Colloredo fueron más improperios y se cerró con un «¡vete ya!». Mozart intentó dimitir de su puesto presentando su dimisión al auxiliar del arzobispo, el conde Arco, pero el arzobispo la rechazó. Le concedieron un permiso el mes siguiente, pero de forma insultante. Días más tarde, cuando Mozart intentaba entregar personalmente a Colloredo un último «memorial», el conde Arco le cerró el paso en la antecámara del arzobispo, produciéndose otra escena violenta, y el compositor fue expulsado literalmente «con una patada en el culo
sábado, 11 de diciembre de 2010
Stuart Murdoch, en un café celestial
El cantante de los Belle & Sebastian acaba de editar un libro titulado "The Celestial Café" donde se reúnen todos los posteos virtuales que ha mantenido
Además de componer y cantar, Stuart Murdoch se ha dedicado estos años a escribir un diario cibernético del que ahora publica una parte, la correspondiente a los años en los que grabaron "Dear Catastrophe Waitress" y "The Life Pursuit". El libro todavía no se ha distribuido en las tiendas, pero lo podréis conseguir en sus conciertos y en la página web de la editorial Pomona Books.
El mismo Stuart ha comentado que en el libro no encontraremos ni orgías ni drogas, sino que lo que leeremos está muy alejado de la estereotipada vida del famoso cantante de rock. "El libro es bastante flojo en cuestiones de abuso de drogas, orgías y todo tipo de libertinaje", comenta.
Os recordamos, por otra parte, que la banda estará en el Primavera Sound del año que viene. El festival se celebrará del 25 al 29 de mayo en el Parc del Fòrum de Barcelona.
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Además de componer y cantar, Stuart Murdoch se ha dedicado estos años a escribir un diario cibernético del que ahora publica una parte, la correspondiente a los años en los que grabaron "Dear Catastrophe Waitress" y "The Life Pursuit". El libro todavía no se ha distribuido en las tiendas, pero lo podréis conseguir en sus conciertos y en la página web de la editorial Pomona Books.
El mismo Stuart ha comentado que en el libro no encontraremos ni orgías ni drogas, sino que lo que leeremos está muy alejado de la estereotipada vida del famoso cantante de rock. "El libro es bastante flojo en cuestiones de abuso de drogas, orgías y todo tipo de libertinaje", comenta.
Os recordamos, por otra parte, que la banda estará en el Primavera Sound del año que viene. El festival se celebrará del 25 al 29 de mayo en el Parc del Fòrum de Barcelona.
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Loquillo es condenado a tres meses de cárcel
El cantante ha sido condenado a tres meses de cárcel y a pagar una indemnización de 3.500 euros a un hombre por propinarle un puñetazo a la salida de un pub en San Sebastián
Malas noticias para Loquillo. Los hechos ocurrieron en la madrugada del 27 de agosto de 2009, cuando, a la salida de un pub de la parte vieja de San Sebastián, el artista se discutió con una pareja y acabó dándole un puñetazo al hombre. La víctima cayó al suelo y se hirió en el labio inferior. Necesitó 54 días para recuperarse y estuvo impedido para sus ocupaciones durante 12 días.
En el juicio, Loquillo estuvo de acuerdo con la pena que solicitaban la Fiscalía y la acusación particular, por lo que se le ha condenado por un delito de lesiones, en su modalidad atenuada en razón de la menor gravedad de los hechos, a tres meses de cárcel.
También deberá indemnizar a la víctima con 3.500 euros y hacerse cago de las costas del proceso.
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Malas noticias para Loquillo. Los hechos ocurrieron en la madrugada del 27 de agosto de 2009, cuando, a la salida de un pub de la parte vieja de San Sebastián, el artista se discutió con una pareja y acabó dándole un puñetazo al hombre. La víctima cayó al suelo y se hirió en el labio inferior. Necesitó 54 días para recuperarse y estuvo impedido para sus ocupaciones durante 12 días.
En el juicio, Loquillo estuvo de acuerdo con la pena que solicitaban la Fiscalía y la acusación particular, por lo que se le ha condenado por un delito de lesiones, en su modalidad atenuada en razón de la menor gravedad de los hechos, a tres meses de cárcel.
También deberá indemnizar a la víctima con 3.500 euros y hacerse cago de las costas del proceso.
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El Barrio cierra su gira y anuncia nuevo disco
Selu ha publicado en su página web oficial, www.cantautorelbarrio.com, nuevas noticias acerca de su próximo trabajo y una despedida para todos sus fans
"Queridos amigos, ha sido un disco como yo lo llamo negro cargado de sonidos duros con temas duros, aposta, por hacer un disco más rockero que flamenco pues a la música se la embellece de muchas maneras. La mimé como si de mi alma se tratara. La he difrazao con oscuridades de temas que están ahí. Yo no fantaseo con la vida, al igual que escribo sobre la dulzura del más fiel amor, también hago caso a la otra cara de la vida, ¿serán los años?". Con estas palabras despide Selu la gira que ha ofrecido con su último disco.
Tampoco se ha olvidado de dar unas primeras pistas para desvelar por dónde irán los tiros en su próximo disco: "Para vuestra alegría, en el próximo trabajo vuelvo a tocar mis orígenes, sin olvidar que nunca escondí lo que fui, un rockero mu flamenco jejejeje. Volveré a cantar por alegrías, tangos y bulerías. Ahora, eso sí, tengan la amabilidad de acoger mi rock pues no se puede dar de lado un sentimiento de niño. Hoy por ti y mañana por mí. Vuelvo a las playas en invierno, al otoño, a mi soledad, al insomnio, al descanso para traer savia nueva", añade.
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"Queridos amigos, ha sido un disco como yo lo llamo negro cargado de sonidos duros con temas duros, aposta, por hacer un disco más rockero que flamenco pues a la música se la embellece de muchas maneras. La mimé como si de mi alma se tratara. La he difrazao con oscuridades de temas que están ahí. Yo no fantaseo con la vida, al igual que escribo sobre la dulzura del más fiel amor, también hago caso a la otra cara de la vida, ¿serán los años?". Con estas palabras despide Selu la gira que ha ofrecido con su último disco.
Tampoco se ha olvidado de dar unas primeras pistas para desvelar por dónde irán los tiros en su próximo disco: "Para vuestra alegría, en el próximo trabajo vuelvo a tocar mis orígenes, sin olvidar que nunca escondí lo que fui, un rockero mu flamenco jejejeje. Volveré a cantar por alegrías, tangos y bulerías. Ahora, eso sí, tengan la amabilidad de acoger mi rock pues no se puede dar de lado un sentimiento de niño. Hoy por ti y mañana por mí. Vuelvo a las playas en invierno, al otoño, a mi soledad, al insomnio, al descanso para traer savia nueva", añade.
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jueves, 2 de diciembre de 2010
Los que han grabado musica de Drexler
Artistas tan dispares como Mercedes Sosa, Shakira, Omara Portuondo, Ana Belén, Víctor Manuel, Neneh Cherry, Pablo Milanés, Ketama, Miguel Ríos, Ana Torroja, Sole Giménez, David Broza, Rosario, Jovanotti, María Rita, Simone, Zelia Duncan, Paulinho Moska, Jaime Roos, Adriana Varela o Bajofondo Tango Club han grabado canciones de Jorge Drexler en sus discos.
A mediados de 1989 empezó a escribir canciones y en 1992 editó su primer disco, "La luz que sabe robar". Ese mismo año se licenció como médico en la Universidad de la República Oriental del Uruguay.
A mediados de 1989 empezó a escribir canciones y en 1992 editó su primer disco, "La luz que sabe robar". Ese mismo año se licenció como médico en la Universidad de la República Oriental del Uruguay.
Jorge Drexler en concierto en Bogota
Desde el 3 de julio pasado, Jorge Drexler, cantautor uruguayo, estaba en deuda con algunos seguidores colombianos. Ese día no hubo silla para todos en el Teatro Mayor del Centro Cultural Julio Mario Santo Domingo, donde se presentó.
Dijo que volvería, y el jueves 2 de diciembre Drexler cantará de nuevo en el teatro de la calle 170. Drexler viene con 'Amar la trama', su nuevo disco, lanzado el 14 de abril pasado en Las Palmas de Gran Canaria (España).
En el trabajo se incluyen temas como Tres mil millones de latidos, La trama y el desenlace, Las transeúntes, La nieve en la bola de nieve y Toque de queda. En el 2005, Jorge Drexler ganó el premio Óscar por Mejor Canción Original, por 'Al otro lado del río'.
Eminem clasificó
Eminem clasificó como el gran favorito para los premios con 10 nominaciones incluyendo la de Canción, Álbum y Grabación del año. Bruno Mars obtuvo 7 mientras Jay-z, Lady Gaga y Lady Antebellum tienen 6 nominaciones.
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miércoles, 15 de septiembre de 2010
como se canta pirekua
Habitualmente es cantado a una o dos voces masculinas generalmente, aunque pueden ser femeninas o mixtas y acompañadas por guitarra sexta, contrabajo, vihuela o arpa y violín. A diferencia del son abajeño purépecha, se utilizan pocos instrumentos (a menudo uno, dos o hasta tres), pero en algunas ocasiones se utiliza la misma instrumentación, sobre todo cuando un grupo se dedica a interpretar ambos géneros tradicionales. wikipedia
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La palabra pirekua
La palabra pirekua en lengua p'urhépecha o purépecha significa canción y por lo general todas las pirekuas son contadas en esta lengua nativa y otras en castellano, algunas incluso intercalan ambos idiomas y otras tantas son interpretadas instrumentalmente. Se destaca por su carácter noble, nostálgico y sentimental. Algunas de las regiones de la pirekua son del Quinceo, Zacán, San Lorenzo, Comachuen, Nurio, Cheran, Ichan, Angahuan, Pátzcuaro y otras comunidades. Aunque este género no es muy conocido en otras regiones del país, en Michoacán es una parte de la cultura de los Purépecha incorrectamente llamados tarascos por los conquistadores españoles. wikipedia
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Pirekua
La pirekua, es uno de los géneros musicales propios del pueblo P'urhépecha del estado de Michoacan, originalmente la pirekua nace del sincretismo de la música y cantos religiosos de los evangelizadores europeos con las reminiscencias de la música indígena (sonecitos de la Tierra y sones del Costumbre). Actualmente, representa un medio de expresión de la lengua purhépecha y constituyen una manera de exaltar su conciencia étnica a fin de salvaguardar la pindekua (tradición y costumbre). La Pirekua, en sus ritmos abajeño (6/8) y son valseado (3/4) transmite mensajes de amor, de desamor, historia purépecha y de Michoacán, geografía michoacana y de la vida social de la comunidad. wikipedia
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Picota (música)
La picota es un tipo de género folclórico mexicano, tanto de danza como de música. El ensamble que interpreta picota y otras formas musicales es el conjunto típico tamaulipeco. La palabra Picota significa Palo alto o Columna, donde se exponía a la verguenza pública a los reos al compás marcial de tambor y clarinete. Al paso del tiempo el pueblo adopta esta música, acoplándola a los ritmos alegres y movidos característicos del estado mexicano de Tamaulipas. wikipedia
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martes, 14 de septiembre de 2010
Jarabe
Jarabe es un género musical propagado por buena parte del occidente, centro y sureste de México. La razón de que se haya impuesto este nombre tanto al baile como a la danza que lo acompaña es incierta. Se ha propuesto, por ejemplo, que se trate de una palabra de origen árabe con la que se designa felicidad o fiesta. También se ha planteado la posibilidad de que el nombre del género provenga de su carácter de mezcla de varios aires musicales en una sola pieza.
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Jácara
La jácara es uno de los géneros satíricos que se representaban en el entreacto de las comedias del Siglo de Oro español. Posteriormente ha dado nombre a varias composiciones populares de tipo similar en todo el territorio hispanohablante.
En los entreactos era normal que se representaran pequeñas composiciones, que podían ser bailes, loas, entremeses... La jácara era uno de estos géneros.
Los personajes solían ser delincuentes, pícaros, chulos, guapos o gente del mundo del hampa. Destaca el agudo humor y el dominio de la jerga de los bajos fondos (germanía o jerigonza), que provocaba la hilaridad con crítica social. También era propio un tono especial al cantar, el tono "de jácara o de jacarilla", característico de esta composición.
Calderón de la Barca, Francisco de Quevedo (cuyas jácaras destacan sobre las demás) y muchos otros cultivaron el género.
Antes de ser representada, la jácara ya existía como composición poética en romance, con el mismo tono y tema antes referido. wikipedia
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En los entreactos era normal que se representaran pequeñas composiciones, que podían ser bailes, loas, entremeses... La jácara era uno de estos géneros.
Los personajes solían ser delincuentes, pícaros, chulos, guapos o gente del mundo del hampa. Destaca el agudo humor y el dominio de la jerga de los bajos fondos (germanía o jerigonza), que provocaba la hilaridad con crítica social. También era propio un tono especial al cantar, el tono "de jácara o de jacarilla", característico de esta composición.
Calderón de la Barca, Francisco de Quevedo (cuyas jácaras destacan sobre las demás) y muchos otros cultivaron el género.
Antes de ser representada, la jácara ya existía como composición poética en romance, con el mismo tono y tema antes referido. wikipedia
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Huapango de mariachi
El huapango ha sido incorporado al repertorio de los mariachis, a partir del siglo XX, y de hecho es más conocido fuera de México ejecutado por este conjunto que por el trío tradicional. En este caso, el huapango es ejecutado con vihuelas, trompetas, guitarrón y violín; el falsete es mucho más alargado que en el huapango tradicional y desaparece el zapateado como parte del acompañamiento musical. El huapango en mariachi tiene patrón rítmico sincopado y alternado similar al son jalisciense. Son usadas las tonalidades mayor y menor. Otra característica es el uso de pasajes rebuscados de violín para las entradas e interludios musicales.
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sábado, 11 de septiembre de 2010
Las Alturas de Simpson
El primer danzón conocido, titulado "Las Alturas de Simpson" se escuchó por vez primera el 1 de enero de 1879 en el Liceo de Matanzas. Lo interpretaba una "orquesta típica" de viento, que contaba con cornetín, un trombón de pistones, un figle, dos clarinetes en DO, dos violines, un contrabajo, dos timbales y un güiro criollo. Dicha orquesta estaba dirigida por Miguel Faílde que era el autor del danzón.
El danzón de Faílde se conforma de tres partes de 16 compases, que se denominan: Introducción, parte o trío de clarinete y trío de metales. Interpretado por la llamada "orquesta típica" (mencionada anteriormente) aunque años después se interpretó también con la orquesta llamada "charanga francesa". wikipedia
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El danzón de Faílde se conforma de tres partes de 16 compases, que se denominan: Introducción, parte o trío de clarinete y trío de metales. Interpretado por la llamada "orquesta típica" (mencionada anteriormente) aunque años después se interpretó también con la orquesta llamada "charanga francesa". wikipedia
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son criollo
Se derivó como resultado de la transculturación de la danza y contradanza europea que llegó a fines del siglo XVIII por vía de las cortes españolas, las migraciones de franceses y de Haití, que incluían negros y mulatos. Estos bailes de salón recibieron las influencias mestizas para crear un son criollo. Estos bailes se asentaron en la isla caribeña hasta que se convirtieron en la danza y contradanza cubanas. Aunque mantenían el influjo afro en su ritmo, ahora poseían una mayor libertad expresiva que permitía a la pareja enlazarse con más sensualismo. La danza aumentó sus partes formativas y extendió su tiempo bailable, por lo que se le empezó a llamar danzón. wikipedia
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martes, 7 de septiembre de 2010
En el sur de la colonia española
En el sur de la colonia española en el Río de La Plata, en la frontera con el territorio indígena, se desarrolló una música gaucha, de naturaleza individual, con presencia protagónica de la guitarra criolla y el canto solista. Entre las danzas se destaca el malambo, un zapateo masculino, nacido a principios del siglo XVII. De gran importancia fueron las payadas, duelos de guitarra y canto entre gauchos.
También en la zona del Río de la Plata, sobre fines del siglo XVIII apareció el candombe, estilo musical y danza creada por los esclavos de origen africano, basada en ritmos de tamboril. wikipedia
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También en la zona del Río de la Plata, sobre fines del siglo XVIII apareció el candombe, estilo musical y danza creada por los esclavos de origen africano, basada en ritmos de tamboril. wikipedia
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Yapeyú
En el Archivo de Indias, en España, hay documentación que demuestra que nuestra música ya existía cuando llegaron las misiones jesuíticas a Yapeyú. Los jesuitas instalaron en esa zona la fabricación más grande de instrumentos musicales del Río de la Plata y se cree que el acordeón nos llegó con ellos, para suplantar al órgano en la liturgia. Lo cierto es que al chamamé le vino bien por la escala diatónica y así se fue incorporando. En la época de la colonia las damas de la sociedad aprendían a bailarlo con maestros indios. wikipedia
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Raíces coloniales
La colonización española aportó los criterios estéticos, técnicas e instrumentos característicos de la música europea. El mestizaje biológico y cultural que caracterizó la colonia, llevó al desarrollo de danzas, instrumentos y técnicas musicales propias (mestizas o criollas), que tendrán una influencia decisiva en el folclore argentino.
Entre los aportes europeos más importantes se destacan la vihuela o «guitarra criolla» y el bombo legüero, y un instrumento nuevo, el charango, una guitarrilla europea similar al tiple de las Islas Canarias, fabricado con la caparazón de un armadillo, de gran importancia para el folclore norteño andino.
Entre los más antiguos ritmos folclóricos coloniales se destacan la vidala y la vidalita, cantos de honda influencia indígena prehispánica, originariamente sagrados y de proyección cósmica, derivadas de la baguala y el yaraví prehispánicos, acompañadas con la caja andina o el bombo.[26]
En las misiones jesuíticas los guaraníes desarrollaron una música de estilo único, apoyada en el cordófono (arpa) y una especie precursora del acordeón. Los misiones guaraníes fabricaron todo tipo de instrumentos: órganos, arpas, violines, trompas, cornetas, clavicordios, chirimías, fagotes y flautas. Allí aparece el chamamé tradicional. wikipedia
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Entre los aportes europeos más importantes se destacan la vihuela o «guitarra criolla» y el bombo legüero, y un instrumento nuevo, el charango, una guitarrilla europea similar al tiple de las Islas Canarias, fabricado con la caparazón de un armadillo, de gran importancia para el folclore norteño andino.
Entre los más antiguos ritmos folclóricos coloniales se destacan la vidala y la vidalita, cantos de honda influencia indígena prehispánica, originariamente sagrados y de proyección cósmica, derivadas de la baguala y el yaraví prehispánicos, acompañadas con la caja andina o el bombo.[26]
En las misiones jesuíticas los guaraníes desarrollaron una música de estilo único, apoyada en el cordófono (arpa) y una especie precursora del acordeón. Los misiones guaraníes fabricaron todo tipo de instrumentos: órganos, arpas, violines, trompas, cornetas, clavicordios, chirimías, fagotes y flautas. Allí aparece el chamamé tradicional. wikipedia
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sábado, 4 de septiembre de 2010
Roots (Raíces)
Se llama roots reggae ("reggae raíz") a una variedad de reggae sobre la cual se desarrollaron las distintas variaciones de estilos. Los temas recurrentes en las letras son la pobreza, la resistencia a la opresión del gobierno y la mención a la ganja o marihuana. En algunos casos, sus letras mencionan la alabanza a Dios o Jah a menudo se exclama Rastafari queriendo decir "Príncipe Tafarí" (ras es príncipe en amaharico), que alude al nombre de nacimiento, Tafari Makonnen, de Haile Selassie I Rey de Etiopía (1892-1975), reconocido como Dios en su carácter de Rey por los rastafaris. Hay quien considera que el roots reggae tuvo su cumbre a finales de los años 1970, con cantantes como Johnny Clarke, Horace Andy y Lincoln Thompson trabajando con productores de estudios como Lee "Scratch" Perry, King Tubby y Coxsone Dodd. La investigación experimental de tales productores dentro de parámetros tecnológicos a menudo limitados dio paso al dub, y es vista por algunos historiadores de música como uno de las primeras contribuciones al desarrollo del techno en Costa Rica (aunque en sonido analógico).
El roots reggae es una parte importante de la cultura jamaicana. Aunque otras formas de reggae, como el dancehall lo han sustituido en términos de popularidad en Jamaica, el Roots Reggae ha encontrado un pequeño, pero creciente lugar a nivel mundial.
También se dice en la misma Jamaica, que antes cuando se escuchaba el blues alla llegaba en ondas a menudo entre cortada, y ellos tratando de imitar el sonido poco a poco fueron creando el reggae, esto en cuanto a la base de la rítmica y los patrones que se usan son muy parecidos a los del blues y el jazz. wikipedia
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El roots reggae es una parte importante de la cultura jamaicana. Aunque otras formas de reggae, como el dancehall lo han sustituido en términos de popularidad en Jamaica, el Roots Reggae ha encontrado un pequeño, pero creciente lugar a nivel mundial.
También se dice en la misma Jamaica, que antes cuando se escuchaba el blues alla llegaba en ondas a menudo entre cortada, y ellos tratando de imitar el sonido poco a poco fueron creando el reggae, esto en cuanto a la base de la rítmica y los patrones que se usan son muy parecidos a los del blues y el jazz. wikipedia
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Estilos del reggae
Otros estilos, mas antiguos pero muy populares de Jamaica son, el Dancehall y el Ragga (también conocido como raggamuffin) consistente en un reggae con bases electrónicas, probablemente influenciadas por el Hip-Hop, Drum & Bass – y otros estilos.
Gracias a la labor de DJ Kool Herc, surgió en las calles de Nueva York una nueva cultura llamada Hip-Hop que incluye, entre sus expresiones sonoras, la música Rap que en su origen consistía en un DJ (Disc Jockey) que se encargaba de poner bases musicales en vinilo sobre las cuales un "MC" (Maestro de Ceremonias) recitaba rimas al ritmo de la música. Los términos Jaying, Toasting o Chating son usados en Jamaica. Generalmente el término rapper se usa en todo el mundo aunque se relaciona directamente con el Hip-Hop y con el Rap y no con el reggae. wikipedia
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Gracias a la labor de DJ Kool Herc, surgió en las calles de Nueva York una nueva cultura llamada Hip-Hop que incluye, entre sus expresiones sonoras, la música Rap que en su origen consistía en un DJ (Disc Jockey) que se encargaba de poner bases musicales en vinilo sobre las cuales un "MC" (Maestro de Ceremonias) recitaba rimas al ritmo de la música. Los términos Jaying, Toasting o Chating son usados en Jamaica. Generalmente el término rapper se usa en todo el mundo aunque se relaciona directamente con el Hip-Hop y con el Rap y no con el reggae. wikipedia
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La música reggae
La música reggae frecuentemente toca temáticas de tipo social, además de políticas o religiosas. Este compromiso que adopta en ocasiones el reggae permite enlazarlo con otros estilos como la canción de autor o el punk.
La primera aparición de la música reggae es atribuida a la canción "Fat man" del cantante Derrick Morgan. Aunque hay quienes sostienen que "Do the reggay" del grupo The Maytals liderado por Toots Hibbert, fue el primer tema.
El reggae, como sus antecesores, el rocksteady y el ska, se desarrolló influido por otros estilos que se escuchaban en Jamaica, basándose en sonidos Afro-Norteamericanos como el rhythm & blues, o de origen Afro-Caribeño como el Calipso, ska y otros ritmos antillanos. wikipedia
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La primera aparición de la música reggae es atribuida a la canción "Fat man" del cantante Derrick Morgan. Aunque hay quienes sostienen que "Do the reggay" del grupo The Maytals liderado por Toots Hibbert, fue el primer tema.
El reggae, como sus antecesores, el rocksteady y el ska, se desarrolló influido por otros estilos que se escuchaban en Jamaica, basándose en sonidos Afro-Norteamericanos como el rhythm & blues, o de origen Afro-Caribeño como el Calipso, ska y otros ritmos antillanos. wikipedia
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Beat
El reggae se basa en un estilo rítmico caracterizado por cortes regulares sobre una música de fondo tocada por la batería rítmica, conocida como "Beat", y la batería, que se toca en el tercer tiempo de cada compás. Este ritmo es más lento que el de otros estilos precursores del reggae como el ska y el rocksteady.
Al reggae se lo asocia erróneamente con el movimiento rastafari, ya que muchos elementos de este movimiento fueron tomados e incorporados a su música por prominentes músicos de reggae en los años 70 y 80. El reggae nunca formó parte del orden ceremonial de la iglesia rastafari, y sus sacerdotes son muy claros al diferenciar el reggae y la música rastafari. Ellos señalan que el reggae es parte de la cultura jamaiquina y que la cultura rastafari es la cultura etiope africana y su música el Nyahbinghi.
Algunos de los intérpretes y artistas más conocidos del género son Bob Marley, Peter Tosh, Inner Circle, Jimmy Cliff, Steel Pulse, Bunny Wailer, Black Uhuru, Lucky Dube, Eddy Grant, Lee «Scratch» Perry, King Tubby, John Holt, Gregory Isaacs. wikipedia
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Al reggae se lo asocia erróneamente con el movimiento rastafari, ya que muchos elementos de este movimiento fueron tomados e incorporados a su música por prominentes músicos de reggae en los años 70 y 80. El reggae nunca formó parte del orden ceremonial de la iglesia rastafari, y sus sacerdotes son muy claros al diferenciar el reggae y la música rastafari. Ellos señalan que el reggae es parte de la cultura jamaiquina y que la cultura rastafari es la cultura etiope africana y su música el Nyahbinghi.
Algunos de los intérpretes y artistas más conocidos del género son Bob Marley, Peter Tosh, Inner Circle, Jimmy Cliff, Steel Pulse, Bunny Wailer, Black Uhuru, Lucky Dube, Eddy Grant, Lee «Scratch» Perry, King Tubby, John Holt, Gregory Isaacs. wikipedia
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miércoles, 1 de septiembre de 2010
marcha procesional en Guatemala
En Guatemala se han utilizado las marchas procesionales conocidas como «marchas fúnebres» tanto de corte europeo como propio desde finales del siglo XIX y principios del siglo XX, con una cantidad de autores nacionales, utilizadas en su interpretación con bandas tipo marcial utilizando vientos y percusiones, teniendo un auge y popularidad entre las celebraciones de Cuaresma y Semana Santa. wikipedia
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Perfecto Artola Prats
Perfecto Artola Prats, valenciano de nacimiento, es, el estandarte de la marcha procesional malagueña, según Mateo Olaya quien afirma que «[...] sentó cátedra y creó el más sólido modelo de la marcha procesional en Málaga». En 1931 ingresa como clarinetista en la Banda Municipal de Málaga, pasando a ser director años más tarde, desde 1945 a 1951 y en segunda ocasión, ya jubilado, a partir de 1974, y de forma altruista. Sus marchas aparecen cuando Artola ostenta la dirección de esta banda por segunda vez, es decir, a partir de 1974. De entre sus casi treinta marchas, destacan «Virgen de Gracia» compuesta en 1985, «Jesús de la Pasión» en 1985, «Coronación de la Virgen de los Dolores» en 1986, y «Nuestra Señora de la Soledad» compuesta en 1989. wikipedia
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Abel Moreno Gómez
El onubense Abel Moreno Gómez es, de entre los compositores de la historia de la marcha procesional, el más popular. Su obra se ha extendido por toda la geografía española, traspasando incluso sus fronteras, siendo interpretadas en alguna que otra ciudad de América. En el momento en que se pone al frente de la Banda del Soria 9, en el año 1984, la marcha procesional había comenzado a experimentar un crecimiento que se mantiene hoy en día. Abel Moreno fue consciente de los recursos que se habían puesto a su alcance: una banda de gran técnica, la ciudad con sus cofradías y sus hermanos costaleros, deseosos de poder contar con marchas que les hicieran sentir cómodos en la calle, y una industria germinante, conocedora de las posibilidades de este tipo de música.
Sus marchas son sencillas, agradables al oído e interpretables para cualquier tipo de banda. Con «Hermanos Costaleros» compuesta en 1985 se establecen los principios de su estilo, el cual queda consolidado en obras posteriores como son «Cristo de la Presentación» de 1985, «Macarena» de 1988, «Madre de los Gitanos Coronada» de 1988, las marchas fúnebres de «Al Señor de Sevilla» compuesta en 1988 o «Cristo de la Agonía» en 1991 y la obra que lo encumbró, «La Madrugá» firmada en 1987. wikipedia
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Sus marchas son sencillas, agradables al oído e interpretables para cualquier tipo de banda. Con «Hermanos Costaleros» compuesta en 1985 se establecen los principios de su estilo, el cual queda consolidado en obras posteriores como son «Cristo de la Presentación» de 1985, «Macarena» de 1988, «Madre de los Gitanos Coronada» de 1988, las marchas fúnebres de «Al Señor de Sevilla» compuesta en 1988 o «Cristo de la Agonía» en 1991 y la obra que lo encumbró, «La Madrugá» firmada en 1987. wikipedia
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sábado, 28 de agosto de 2010
Take Five
"Take Five" es una composición de Jazz creada por Paul Desmond e interpretada por el grupo The Dave Brubeck Quartet en su álbum de 1959 Time Out. Esta pieza fue grabada en la Calle 30 de Columbia en la ciudad de Nueva York el 25 de junio y el 18 de agosto de 1959[1] y se convirtió en uno de los discos más conocidos del grupo, debido a su distintivo y contagioso saxofón y el empleo de un compás inusual de 5/4 —de allí deriva el nombre de la canción—.[2] Si bien "Take Five" no fue la primera composición de jazz en utilizar este compás, sí fue una de las primeras canciones en lograr una amplia aceptación comercial en los Estados Unidos al llegar a la posición número cinco en el listado Adult Contemporary Singles de la revista Billboard.
"Take Five" fue regrabada e interpretada en vivo en múltiples ocasiones por el cuarteto durante toda su carrera. Además varias versiones han emergido de la canción, tales como el de la cantante sueca Monica Zetterlund en 1962 y una versión en dub de King Tubby, publicada póstumamente en 2002. Otras versiones incluyen letra, como aquella grabada en 1961 con letra de Dave Brubeck y su esposa Iola, cantada por Carmen McRae y una versión en vivo al lado de Al Jarreau en 1997. También ha sido incluida en innumerables películas y bandas sonoras de televisión e incluso sigue recibiendo bastante acogida en la radio.
Posterior a la muerte Desmond en 1977, éste ordenó ceder las regalías de sus composiciones, incluyendo "Take Five", a la Cruz Roja norteamericana, la cual ha recibido sumas de aproximadamente cien mil dólares al año.wikipedia
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"Take Five" fue regrabada e interpretada en vivo en múltiples ocasiones por el cuarteto durante toda su carrera. Además varias versiones han emergido de la canción, tales como el de la cantante sueca Monica Zetterlund en 1962 y una versión en dub de King Tubby, publicada póstumamente en 2002. Otras versiones incluyen letra, como aquella grabada en 1961 con letra de Dave Brubeck y su esposa Iola, cantada por Carmen McRae y una versión en vivo al lado de Al Jarreau en 1997. También ha sido incluida en innumerables películas y bandas sonoras de televisión e incluso sigue recibiendo bastante acogida en la radio.
Posterior a la muerte Desmond en 1977, éste ordenó ceder las regalías de sus composiciones, incluyendo "Take Five", a la Cruz Roja norteamericana, la cual ha recibido sumas de aproximadamente cien mil dólares al año.wikipedia
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El vals vienés
Con este nombre se conoce la danza de pasos rápidos, en un tempo que comprende entre 110 y 180 intervalos por minuto. Existen también versiones lentas (tempo de 60 a 80) denominados vals inglés o boston.
En los concursos de baile, el vals vienés se atiene, en la actualidad, a dos formas:
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En los concursos de baile, el vals vienés se atiene, en la actualidad, a dos formas:
- el estilo internacional: las parejas de baile permanecen siempre enlazadas, lo que limita el número de figuras. Este estilo de danza es mucho más elegante que:
- el estilo americano: baile mucho más libre, en este estilo la pareja puede separarse y efectuar figuras variadas.
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Vals
El vals (galicismo de valse) es un elegante baile musical a ritmo lento, originario del Tirol (Austria) por el siglo XII. El vals conquistó su rango de nobleza durante los años 1760 en Viena, y se expandió rápidamente por otros países. Algunos autores creen que el vals tuvo su origen en la volte, danza de baile en tres tiempos practicada durante el siglo XVI. La palabra vals nació en el siglo XVIII viene de "walzen" (girar en alemán), cuando el vals se introdujo en la ópera y en el ballet.
En su origen tenía un movimiento lento aunque, en la actualidad, se ha convertido en una danza de ritmo vivo y rápido. Su característica más significativa es que sus compases son de 3/4. En el compás del vals, el primer tiempo siempre es considerado como el tiempo fuerte (F), y los otros dos son débiles (d). Así, el patrón es "F, d, d". Al oír la palabra "vals", enseguida se relaciona con música clásica, pero lo cierto es que el vals sólo es una forma musical y puede estar en cualquier estilo, por ejemplo en forma de rancheras mexicanas, aunque el Swing siempre es el ritmo más usado (el cual es de 4/4, en patrón F, d, F, d). Frédéric Chopin, el gran compositor y pianista polaco, aportó una cantidad de excelentes valses para piano y, entre ellos, el vals más breve denominado Vals del Minuto. Los Strauss también destacaron como grandes compositores de valses, especialmente Johann Strauss (hijo). En Latinoamérica existen diversas variantes como el vals peruano, vals venezolano, el vals colombiano, el vals brasileño y el vals ecuatoriano con características que difieren de país a país.
Podemos decir con exactitud que tanto estos compositores como otros muchos, han llegado a formar una música que ha participado en el desarrollo artístico, tan importante para los humanos. Se conocen, por ejemplo, de Tchaikovsky piezas tan famosas como el Vals de El cascanueces, el Vals de La bella durmiente o el Vals de El lago de los cisnes, del mismo modo que habremos oído piezas de Strauss tales como Sangre Vienesa, el Vals de los Novios o el Vals del Emperador. wikipedia
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En su origen tenía un movimiento lento aunque, en la actualidad, se ha convertido en una danza de ritmo vivo y rápido. Su característica más significativa es que sus compases son de 3/4. En el compás del vals, el primer tiempo siempre es considerado como el tiempo fuerte (F), y los otros dos son débiles (d). Así, el patrón es "F, d, d". Al oír la palabra "vals", enseguida se relaciona con música clásica, pero lo cierto es que el vals sólo es una forma musical y puede estar en cualquier estilo, por ejemplo en forma de rancheras mexicanas, aunque el Swing siempre es el ritmo más usado (el cual es de 4/4, en patrón F, d, F, d). Frédéric Chopin, el gran compositor y pianista polaco, aportó una cantidad de excelentes valses para piano y, entre ellos, el vals más breve denominado Vals del Minuto. Los Strauss también destacaron como grandes compositores de valses, especialmente Johann Strauss (hijo). En Latinoamérica existen diversas variantes como el vals peruano, vals venezolano, el vals colombiano, el vals brasileño y el vals ecuatoriano con características que difieren de país a país.
Podemos decir con exactitud que tanto estos compositores como otros muchos, han llegado a formar una música que ha participado en el desarrollo artístico, tan importante para los humanos. Se conocen, por ejemplo, de Tchaikovsky piezas tan famosas como el Vals de El cascanueces, el Vals de La bella durmiente o el Vals de El lago de los cisnes, del mismo modo que habremos oído piezas de Strauss tales como Sangre Vienesa, el Vals de los Novios o el Vals del Emperador. wikipedia
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